16 de novembro de 2014

KYLLAY PIQUERAS - PERÚ




Kylla Mónica Piqueras (Lima, 1979)

Soy artista multidisciplinaria essencialmente autodidacta. Pasé por um período académico donde tuve la oportunidade de aprender las bases de múltiples disciplinas artísticas. El arte fue parte de mi vida desde la infância la cual estuvo siempre recreada em torno a él.

Viví um processo creativo desarrollado de la mano de um trabajo personal de retiro, renuncia y purificación muy intenso. Me embarque em el viaje interno de sanar y silenciar mi mente,“desaprender”las estructuras de los critérios vitales y estéticos instaurados em mi vida, es decir “morir al mundo tal cual lo conocía”. Mi intención era recuperar mi esencia, para vivir autenticamente em esse estado real del ser, todo mi caminho se enfocó em esa visión.

 El propósito de mi búsqueda espiritual se convirtió em lo fundamental de mi trabajo artístico y este se convirtió em la forma de conectarme y expresarme, tanto internamente como externamente com el mundo que me rodea. Para crear me es imprescindible aprender a encontrar certo silencio interior desde donde pueda recibir la visión de aquello que se manifiesta ante mí com verdade y plenitud.

 Pretendo compartir mi obra, inspirada em esa necesidad ineludible que tengo de sintonizar, encarnar y plasmar essas dimensiones que albergan más luz y energia que aquella “realidad“que nos há sido implantada como única. Es mi manera de recrear planos más sutiles de existência subyacentes em lo cotidiano, integrando la magia em cada instancia.

 Amo la coloración popular de nuestro país y esa sutil gradación de tonos que contemplamos em la vasta naturaliza de la que somos parte. El integrar símbolos y conocimientos de diversas tradiciones milenárias y sus cosmovisiones sagradas com médios de creación tradicionales, es para mí mantener vivo el recuerdo de nuestro arraigo ancestral.

Siento em mi corazón que esta propuesta logra manifestar uma vibración concreta y contundente. Es la ofrenda que le doy al universo, em agradecimento profundo por haberme dado la bendición de sentir la vida a plenitude y por
acercarme a experimentar la esencia más pura y potente de nuestra naturaleza.


Mensajes desde el Ukhu Pacha” (2015). Técnica mixta sobre tela.




Orgánica Purpurea IV” (2015). Técnica mixta sobre tela.


SACERDOTISA (2014)
Técnica mixta sobre tela holografiada.   1.30 m. 1.30m.


PORTAL III (2015)
Técnica mixta sobre terciopelo.  2.10m x 2.10m.


ENCAJE HECHIZADO I (2015)


Universo 1


PORTAL INTERESTELAR 
 2016
Todos los colores para él, hasta el inifinto y más allá.



orgânica I

orgânica II

orgânica III

Formación Integral



1996-2007 Talleres de Danza Moderna y Danza Contemporánea en la escuela Danza

Lima, Danza Viva, Pata de Cabra, Espacio Danza y Danza Túpac con las

maestras Morella Petrozzi, Pachi Valle-Riestra, Rossana Peñaloza,

Patricia Awapara y Ana Zavala.


1997-1998 Diseño Gráfico, Instituto Toulouse-Lautrec.


1998-2000 Artes Plásticas, Escuela Superior de Artes Plásticas Corriente Alterna.


2001-2003 Bachiller en Estudios Generales Letras, Pontificia Universidad Católica
del Perú.
2001-2003 Andanzas-Compañía de Danza dirigida por la maestra Mirella Carbone
Pontificia Universidad Católica del Perú.
2001-2007 Práctica de Yoga con el maestro Isaac Vásquez.
2002-2003 Estudios de Medicina Tradicional China, Esuela Neijing
2002 Corte y Confección en el Instituto de la Moda.
2003-2004 Taller de Joyería Escultórica de Ana Navas.
2004 – 2007 Retiro espiritual en la sierra peruana.
2007 Taller de Serigrafía en la Escuela de Artes Visuales Edith Sachs.
2007-2010 Guía particular de Yoga Integral y profesora de Yoga en el hotel
Marriot de Miraflores.
2010 Funda en comunidad la Escuela de Arte y Creatividad PUKARUMI.
2011-2014 Entrenamiento en Danzas Rituales de las Artes Marciales.



Bendiciones em el kay pacha


Detalle bendiciones em el kay pacha

Mamaquilla

Silencio interno


Portal


Mensajes desde el Hacqay Pacha


Naga Rassa


Detalle universo

Universo 3

Universo 2

Illa


Mantra prensa

Exposiciones y Performances


2007 Performance y danza en concierto del músico chileno Rodrigo

Qowasevich como parte de su gira en el Teatro Municipal de Caraz,

Ancash.


2009 Performance de danza y video “Trascendencia” con la artista multimedia

Mariana Tschudi en Miraflores.


2010 Invitada especial de la exposición individual “Espíritu Maestro” del

artista Harry Chávez en la galería vértice en San Isidro.
2011 Danza, performace y diseño de vestuario en el concierto multimedia
“Koppu” de Pauchi Sasaki y el colectivo OIE en el Teatro Británico de
Miraflores.
2012 Danza y Performance y diseño de vestuario en el concierto multimedia
“MURU- Fuerza de lo Inevitable” de Pauchi Sasaki y el colectivo OIE
en el Teatro Municipal de Lima.
2013 Exposición colectiva “Yacumama-La serpiente magnética” en la Galería
del Barrio en Chorrillos.
2013 Curaduría y participación en la exposición de la muestra colectiva
“ENTREVISIONES” en la Galería Indigo.
2014 Seleccionada en la convocatoria abierta de proyectos artísticos en el
Convento Santo Domingo –Qorikancha, Cusco con el proyecto de arte y
peregrinación “En el nombre de la madre”.
2014 Exposición “EN EL NOMBRE DE LA MADRE” en la sala principal de
Arte Contemporaneo del Museo del Convento Santo Domingo-
Qorikancha en Cusco.
2014 Exposición “EN EL NOMBRE DE LA MADRE” en la sala de
 entreviciones Lima Peru




EL LENGUAJE DE LOS DIOSES”


“La facultad creadora es indiscutiblemente la posesión más preciosa que distingue al ser

humano. Pero también podríamos considerarla como un camino de doble mano, que tanto sirve
al hombre para comunicarse con los dioses como a estos para acercar sus mensajes a los

hombres. Así, las imágenes, los sonidos, las formas, organizadas en sistemas simbólicos
constituirían el instrumento específico de la comunicación entre lo divino y lo humano. El
lenguaje de los dioses es sin duda el lenguaje del símbolo, el que habla con metáforas, con
analogías, el que devela y oculta a la vez, el que llega desde las borrosas profundidades de la
conciencia o desde más allá de ella, y solo se capta en forma completa e instantánea por las vías
empáticas, sensibles e intuitivas, o durante los sueños, el trance u otros estados visionarios.
Hay una diferencia radical entre esta perspectiva, propia de la mayor parte de las culturas
tradicionales, incluidas las indígenas, y la concepción occidental clásica sobre el fenómeno
artístico. Se entiende que le estamos otorgando al termino “arte” una extensión mucha mayor
que aquella que se desarrolla durante la modernidad occidental, por la cuál lo artístico se
circunscribe a la creación individual, supuestamente original y excelsa de obras únicas que, en
realidad, se califican mas por la legitimación dada por una serie de círculos sociales
jerarquizados y su consecuente valor como mercancía.
Según la perspectiva tradicional, en cambio, gran parte de las creaciones humanas, incluso
colectivas o utilitarias, pueden considerarse “arte”. Su principal diferenciación con el resto de
las creaciones humanas, además de ese plus de dedicación y destreza puestas para distinguirlas
y embellecerlas, es que de alguna manera son instrumentos de diálogo con lo sagrado. Y ésta
bien puede ser la razón por lo cual no existen términos equivalentes a la acepción occidental de
“arte” en las culturas indígenas.

“Con el desarrollo de la modernidad, Occidente aprende a restringir su consciencia y a
permanecer en la supuesta seguridad de la franja de realidad ordinaria que llamamos “normal”.
Junto con la valorización positiva de esta restricción – necesaria para lograr el éxito del
proyecto cientifista, pero básicamente para obtener cierta forma muy efectiva y económica de
control social- se reprimen todos los demás estados de consciencia. Al mismo tiempo, se pierde
permiso y el conocimiento para acceder a otros planos no ordinarios y mantener la conexión con
lo trascendente; pérdida que sin duda está en la raíz de gran parte de los males contemporáneos,
pues ha afectado la esencia misma del alma humana.”
“El arte primordial suscita una especial atracción sobre la sensibilidad contemporánea. Es una
expresión privilegiada de lo trascendente. En la elementalidad de sus trazos y en el misterio de
sus formas reúne un mensaje perenne”
Ana María Llamazares y Carlos Martínez Sarasola




MANTOS DE ORACIÓN



Es la expresión de un anhelo inminente de conexión con lo divino a través de lo más concreto y

cotidiano de la vida. La necesidad vital de percibir la existencia desde una visión misteriosa,

mágica y sagrada. El testimonio de esta dimensión, “Plasmando la Luz”, es mi profunda

expresión de honrarla, reconociendo su fuerza inconmensurable y su presencia inexorable tras el

velo de lo que llamamos realidad.

Un rezo hecho obra, una ofrenda, un altar, un amuleto que acompaña al guerrero en su camino

del despertar y sanar en el sendero oscuro de reconocer y encarar sus sombras, para derribar su

mundo con el único propósito de restaurar con amor el inmenso espacio que habita en cada uno

de nosotros para poder seguir viviendo.

Mantos de Oración es una serie de mantos soñados para ser creados, fusionando técnicas

tradicionales e innovadoras: serigrafía, pintura, bordados, pedrería, teñido, tallado y tejido.

Piezas de arte que incorporan texturas que se integran y contrastan a la vez, generando una

sensación vibrante. Un holograma hecho materia. Una aparición.

Un lenguaje que evoca lo ancestral y lo hace presente, componiendo infinidad de miradas con

una perspectiva universal. Un llamado a religarnos con la fuerza creadora desde un acto de

entrega sin expectativas y abierto a los insondables impulsos del instante.

Esta muestra
nos ofrece la posibilidad de contemplar una silenciosa belleza trascendiendo la
estética, esa estética que nos impide sentir desde el interior, desde ese lugar sólo nuestro y único
para cada uno de nosotros, y conectarnos con la belleza sagrada que nos habita.

EN EL NOMBRE DE LA MADRE”
Mantos de Oración


















2 de março de 2014

KIMI NII - CERÂMICA - S.PAULO - BRASIL


Kimi Nii nasceu em Hiroshima, Japão. Mudou-se para o Brasil, São Paulo aos nove anos. Formada em Desenho Industrial, trabalhou com programação visual.
Em 1978, começou a fazer cerâmica e se apaixonou pelo contato com o barro e as possibilidades de realização e criação. Desde então, trabalha com cerâmica de alta temperatura (1300º) no próprio atelier na criação e produção de objetos utilitários e esculturas.
Realizou exposições individuais e coletivas no Japão, Europa e América como artista plástica, ceramista e designer.


Donguri







Botão Frésia



Labareda


Colunas
Colunas


Ananás

Bromélia

EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS

Espaço Manabu Mabe - "Colunas" - Exposição Comemorativa do Centenário da Imigração Japonesa no Brasil - Tokyo - Japan - 2008
Museu Oscar Niemeyer - "Donguri" - Curitiba - PR - 2007
Galeria Siesta - Barcelona - Espanha - 2007
Espaço Darcy Ribeiro, Embaixada Brasileira - Bruxelas - Bélgica - 2004
Instituto Tomie Ohtake - "Donguri" - São Paulo - SP - 2004
Museu de Arte de Santa Catarina - "Prestígio do Barro" - SC - 2003
Espaço Manabu Mabe - Tokyo - Japão - 2001
Plaza Gallery - Tokyo - Japão - 1999
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1998
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1997
Galeria Nara Roesler - Campos do Jordão - SP - 1997
Galeria Espaço Universitário - Universidade Federal do Espírito Santo - "Esculturas em Cerâmica" - Vitória - ES - 1996
Museu do Açude - Fundação Castro Maya - "Esculturas em Cerâmica" - Rio de Janeiro - RJ - 1996
Galeria Múltipla - "Flora Cerâmica" - S. Paulo - SP - 1994
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP – 1992
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1982
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1985
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1982
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1980

Ananás Azul



Bromélia Ocre



Helicônia Azul


Pagoda

Bambu


Bambu

Bromélia

Magnólia

Disco Vertical
EXPOSIÇÕES COLETIVAS

Galeria L'oeil - "Femmes D'argile" - São Paulo - SP - 2011
Galeria Deco - "Objeto e Vasilha" - Artistas que utilizam materiais naturais - São Paulo - SP - 2011
Galeria Dalcyr Ramiro - "Rencontro " - FLIP - Paraty - RJ - 2011
Museu Oscar Niemeyer - Bienal de Design - Curitiba- PR - 2010
Fundação Japão - Encanto Tropical - São Paulo - SP- 2010
Festival de Rotterdam - Kleurbrazil - Rotterdam - Holanda - 2009
Destination Brazil - MOMA - Nova Iorque - EUA - 2009
Galeria Marta Traba - Memorial da América Latina - "Entre Oceanos - 100 Anos de Aproximação entre Japão e Brasil" - S.Paulo - SP - 2009
Museu Kawasaki - "Creative Art Session" - Exposição de Amizade Nipo-brasielira - Tokyo - Japão - 2008 Academia Brasileira de Arte, Cultura e História - Japão no Coração" - S.Paulo - SP - 2008
Centro Cultural Banco do Brasil - "NIPPON" - Rio de Janeiro - RJ - 2008
Palácio das Artes Rodin - "Abraços na Arte" - Salvador - BA - 2008
Galeria Deco - "Início Após 100 Anos" Brasil-Japão - São Paulo - SP - 2008
Pinacoteca do Estado de São Paulo - "Nipo-Brasileiros" - São Paulo - SP - 2008
Museu De Arte Contemporânea da USP - "Arte- Brasil Japão Moderno e Atual" - São Paulo - SP - 2008
Academia Brasileira de Arte, Cultura e História - "Japão no Coração" - São Paulo - SP - 2008
Memorial da América Latina - "Coluna Infinita" - São Paulo - SP - 2007
Fundação Bienal de São Paulo "Arte pela Amazônia" - São Paulo - SP - 2008
Instituto Tomie Ohtake - "Laços do Olhar" - São Paulo - SP - 2008
Palácio do Governo Boa Vista - "Herança Japonesa na Cerâmica Brasileira" - Campos do Jordão - São Paulo - SP - 2008
Palácio do Itamaraty - "Design Brasileiro - Uma mudança no Olhar" - Brasília - DF - 2007
Memorial da América Latina - "Coluna Infinita" - São Paulo - SP - 2007
Galeria Deco - "Três Dimensões" - São Paulo - SP - 2007
Museu Alfredo Andersen - Salão Nacional de Cerâmica - Comissão de Seleção e Premiação - Curitiba - PR - 2006
Espaço Armani - "Global Edit" - Milão - Itália - 2005
MASP - "A Geração Emergente" - São Paulo - SP - 2005
Instituto Tomie Ohtake -"Trama Espiritual da Arte Contemporânea" - São Paulo - SP - 2003
Espaço UNICID - "Gerações" - Arte Contemporânea Nipo-Brasileira - São Paulo - SP - 2003
Casa das Rosas - Ópera Aberta - São Paulo - SP - 2002
Museu de Arte de São Paulo - "Tendências" - São Paulo - SP - 2002
Design & Natureza – São Paulo – SP – 2001
500 Anos Design – Pinacoteca do Estado de São Paulo - SP- 2000
Biennale Internationale Design 2000 – Saint-Ètienne - França - 2000
Centro Brasileiro Britânico - "Construindo Uma Linguagem" - S.Paulo - SP - 2000
Museu de Arte de São Paulo - "500 Anos: Uma Janela para o Futuro" - São Paulo - SP-1998
Lewarne Galeries - Vancouver - Canadá - 1997
Museu de Arte Brasileira - São Paulo - SP - 1996
Museu da Cultura (PUC) - São Paulo - SP - 1994
Galeria Múltipla de Arte - "Flora Cerâmica" - São Paulo - SP - 1994
Museu Alfredo Andersen - 11º Salão Paranaense de Cerâmica - Curitiba - PR - 1993
Espaço Cultural - Banco Central do Brasil - "Flora" - S.Paulo - SP - 1993
II Estúdio Internacional de Tecnologias da Imagem (Unesp) - SESC Pompéia - São Paulo - SP - 1993
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1992
Gabinete de Arte Raquel Arnaud - São Paulo - SP - 1990
Palácio Foz - "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas Brasileiros" - Lisboa - Portugal - 1989
Centro Cultural Ciudad de Buenos Ayres - Buenos Aires - Argentina –1988
Centro Cultural Conde Duque "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas do Brasil" - Madrid - Espanha - 1988
Instituto Ítalo Latino Americano (IILA) "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas do Brasil" - Roma, Itália - 1988
Galeria Skultura - "Jóias, Uma Expressão de Arte" - São Paulo - SP - 1988
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - "1ª Mini Bienal TV Cubo" - São Paulo - SP - 1987
I e II Mostra MOA Cerâmica Contemporânea - SP - 1986 e 87
Museu de Arte de São Paulo - "78º Aniversário da Imigração Japonesa no Brasil" - São Paulo - SP - 1986
Mostra Aberta de Cerâmica Arte - I, II, III, IV e V - São Paulo - SP - 1984, 85, 86, 87, 88 e 89
Galeria Ocra - SP - "A Arte de Cerâmica Brasileira no Brasil" - São Paulo - SP -1984
Paço das Artes - "Cerâmica Contemporânea" - São Paulo - SP - 1985 e 87
Forma Objeto - São Paulo - SP - 1981
Galeria Tenda - SP - 1980 e 85
Galeria Toki Arte - SP - 1979, 80, 81, 83, 86, 88e 89
II e III Encontro de Ceramistas de Parati - Parati, RJ - 1979 e 81
Cartola

Uma forma clara e precisa, um corte incisivo e um desequilíbrio do material são os ingredientes que Kimi Nii usa nas cerâmicas que realizou para esta exposição. Receita simples, mas que levou tempos, anos para aí chegar. E que exigiu muita força, mas também muita delicadeza.
Conhecimento de materiais e técnica, muita sensibilidade e talento. Qualidade de grande artista, como esta minha querida amiga que eu muito admiro, Kimi Nii.

Futabá Castiçal
Tenda
Morandi
Garrafa Reversa
Vaso Disco Vertical
O limite técnico do forno de alta temperatura não é mais uma barreira para Kimi Nii. Ela vai desafiando o espaço, verticalizando suas peças, expandindo-as com encaixes. Dilata seus blocos de argila em ovais e círculos, que caminham fechando-se em si mesmos.
Ovais e verticais formam o mundo atual da escultura de Kimi Nii, que mantém em seu trabalho duas tensões, dois prazeres, além daquele da criação: amassar o barro e esperar o inesperado na abertura do forno.
Apesar do domínio técnico, há sempre uma surpresa. Uma surpresa que, para nós, espectadores, vai se revelar nas formas criadas por essa sensível ceramista-escultora.
Kimi Nii partiu do trabalho com o utilitário - como um prazer estético do cotidiano - para uma escultura de caráter por vezes construtivo, por vezes orgânico. Sempre inquieta, nova, atual, prospectiva, sua escultura já ocupa seu lugar na arte de nosso tempo.

Tulipa Recortado Largo

Prato Informal

Prato Origami
Chaleira tampa quadrada, açucareiro tampa quadrada e copo bojudo


Jogo Japonês

Kimi Nii une tradição japonesa e construtivismo
Naum Gabo disse que não há limites para a variedade de materiais adequados à escultura. Tatlin, que ensinou cerâmica na Escola de Arte de Moscou nos anos 20, antecipou Gabo em mais de uma década, demonstrando sua frase em três dimensões. Finalmente, nos anos 90, a escultora e ceramista japonesa Kimi Nii, nascida dois anos após a explosão da bomba em Hiroshima, mostra que é possível esculpir o espaço, como preconizavam Gabo e Tatlin.
O exemplo que ilustra o desenvolvimento do trabalho de Tatlin é justamente um cone espiralado e recortado conforme a técnica construtivista. Girando sobre seu próprio corpo, essa escultura se mantém surpreendentemente rígida. A espiral ascendente deixa passar a luz através de cortes no espaço, dando à peça um aspecto luminoso, como os ritualísticos "espelhos cósmicos" ("dotaku") do refinado Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.).
Essa aproximação com o Yayoi não é casual. As esculturas em cerâmica de Kimi Nii têm a simplicidade das peças sem adorno deste período. A ceramista também revisita a horizontalidade das incisões na cerâmica Yayoi, não desprezando as lições de mestres de outras épocas, como Chojiro (1516 - 1592), em especial a assimetria de suas irregulares "raku". É do diálogo entre a tradição japonesa e o construtivismo que surgem peças como "Olho", queimada num forno a lenha projetado na Dinamarca. Kimi Nii "esculpe" o espaço como se ele fosse material flexível. Exatamente como queria Gabo.



















A partir de uma matéria amorfa, sem equilíbrio, Kimi Nii cria uma forma pura, fazendo incisões e realçando imperceptíveis traços, como resultado de um movimento preciso e intuitivo entre a razão e a sensibilidade.
É a primeira vez que Kimi realiza uma exposição no Japão. Apesar de ter vivido por 40 anos no Brasil, em quase todas as suas obras aparecem, inconscientemente, imagens da pretérita infância no Japão.
Nascida em Hiroshima, aos nove anos Kimi Nii imigrou com os pais para o Brasil. Posteriormente, freqüentou o curso superior de Desenho Industrial na FAAP, iniciando-se na cerâmica. 
No processo de elaboração de seu trabalho, revela sua experiência de vida, baseada em sua força vital e poder de emanação, expressos em delicadas e sutis formas. 
Esta mostra revela o trabalho artístico que tem produzido nos últimos 10 anos.
Minha companheira de todas as horas, Kimi Nii tem sido reconhecida como uma artista pela sua técnica e talento no trabalho.