ALEGRIA DEL PRADO - PINTURA - MÉXICO/ESPANHA

Alegria del Prado es un duo creativo formado por Octavio Alegría (méxico) y Ester del Prado (españa) . Ambos, desde el 2010, trabajan juntos intercalando su obra.

Alegria del Prado es un dúo artístico formado por Octavio Macías Alegría(México) y Ester González del Prado(España) . Se crea en México en 2010, y desde entonces trabajan juntos. Actualmente residen en un pueblo del norte de la provincia de Burgos.

Técnicas: Dominan la ilustración, con gran técnica del dibujo ,técnicas secas y húmedas. Conocimientos de de grabado calcográfico nivel básico. Nivel alto en serigrafía y litografia. Estampación en tela. Confección de prendas. Mucha creatividad y adaptación a nuevos espacios y soportes. Dominio de pintura mural. Dimensiones grandes. Dominio del oleo y del acrílico.

Crean mundos oníricos que se enraízan a una naturaleza llena de simbolismos que han ido creando a lo largo de su extensa producción.

La obra de arte no siempre esta sujeta al espacio bidimensional y eso les lleva a experimentar con diferentes soportes, formatos y técnicas. Buscan la manera de acercarse a un público que se vincule directamente con la obra y esto lo consiguen a través de objetos alternativos que se disuelven en lo cotidiano. Usan materiales rescatados del paso del tiempo, soportes nobles, maderas recicladas; otros mas clásicos como el lienzo, saltando a la amplitud del muro. Intervienen con una amplia gama de técnicas plásticas creando un surrealismo alegórico de carácter muy personal. Con el dibujo combinan sus conocimientos de grabado para crear otros lenguajes . utilizan la serigrafía para plasman sus diseños en tela creando camisetas, bolsos, cojines, mochilas, etc.

También trabajan la pintura mural , con la que consiguen acceder a los espacios públicos, siendo una manera de que el arte se integre de una manera mas directa con la vida cotidiana, de tal forma que la pintura genere otra percepción del ambiente que habitualmente transitamos.

Todo esto le sirve a su obra para ser amplia en el aspecto multidisciplinar.

"..Narramos episodios de una imaginación que busca el origen como un nuevo punto de partida. Encuentros con un mundo onírico que rescata las ideas que surgen en los saltos del subconsciente a la consciencia, de lo invisible a lo que se puede hacer visible.

Una llamada de esperanza a una armonía con el mundo que nos rodea, con los infinitos ciclos de la naturaleza, defendiendo la igualdad de la interdependencia de todos los seres vivos.

Nuestro trabajo es una búsqueda del equilibrio universal como miembros de una sociedad desmembrada por el bloqueo heredado de la vida mecanizada y un desarrollo tecnológico que evoluciona mas rápido que el ciclo orgánico.

Pintar es la manera en que reinterpretamos esa realidad, explorando la manera de reintegrar al hombre con los demás seres vivos en un ambiente armónico, completamente abierto a lo que nos revelan los sueños, con la necesidad de reinventarnos constantemente."

"El pensamiento en imágenes precede al pensamiento en palabras" Kant

Integrante Dúo Creativo Alegria del Prado

Em Burgos Trespaderne.

Tic tac elemental.

Mural para el área de cardiologia del hospital Country 2000

EXPOSICIONES:

2013 “Semilla” en Masala, Burgos.

2013 “Baggage Claim”, exposición con el colectivo Sio2, en el CAB, Burgos.

2013 “Semilla, que germina a través del arte” en la sala de usos múltiples del Ayuntamiento de Trespaderne.

2013 “Tempo de Encuentro” en Nidok Coworking. Barcelona.

2013 “La Maleta” Exposición colectiva e itinerante por diferentes instituciones Públicas de la Ciudad de Burgos.

2013 “Cuerpo y lugar” Exposición con el colectivo Galbana en la sala Episcopio. Ávila.

2012. “Naturaleza viva.” Oficina de Turismo Valle de Tobalina. (Burgos).

2012. Exposición Colectivo SIO2, Jóvenes artistas Burgaleses, sala FEC, Burgos.

2012. “7mujeres, 7miradas”, Casa Concejo de Arévalo (Avila).

2011. “Sense títol” en la universidad de Bellas Artes de Barcelona.

2011.Colectiva en el Museo de las Merindades, Medina de Pomar (Burgos).

2011 . Colectiva “Habitat” en el Museo de Arte Contemporáneo Angel Miguel de Arce, Sasamón (Burgos).

2011 “Cavernes+Artzar” , Exposición en el Museo CosmoCaixa con el Colectivo Lecovosu. Barcelona.

2010. Colectiva en Galeria Casa Pop, Guadalajara, México.

2010. “El pasajero13” . Esporádica casa Morelos. Guadalajara. México.

2010. “I Edición Limitada”, en el Centro de Creación Contemporánea“ La Escocesa”. Barcelona.

2010. “I Edición Limitada”, Colectiva en la tienda Galería Impaktes Visual, Sabadell,(Barcelona).

EXPERIENCIA ARTISTICA

2013 Semilla en los niños: realización de talleres de pintura mural con motivo de la semana cultural del Colegio Público Valle de Tobalina, Burgos.

2013 “Arte en vivo”: Pintura mural en directo con motivo de la exposición “Semilla”. Trespaderne, Burgos.

2012 “Arte en vivo”. Pintura mural en directo con motivo del IFestival del Comic Ciudad de Burgos(Burgos).

2012 “Arte en vivo”. Pintura mural en directo con motivo de la exposición SIO2,jóvenes artistas burgaleses.

Burgos 2012 “Arte in situ”. Pintura mural en directo con motivo Exposición “7mujeres, 7miradas”. Arévalo. Ávila. 2011”Arte in situ” .Pintura mural en directo con motivo del I Festival de arte rural en la comarca de Odra-Pisuerga. Burgos.

2011 Proyecto de intervención activa obra/público “Cavernes+Artzar” en el museo CosmoCaixa con el colectivo Lecovosu. Barcelona.

2008. Miembro del Colectivo Galbana en el IV Festival Internacional de Artes de Castilla y León .Realización de perfomances, happenings, Exposiciones al aire libre… Salamanca.

2006 Edición y diseño postales de Navidad de la Escuela de Artes y Oficios de Burgos.

OBRA EN:

2013 Mural Restaurante La Muralla.Medina de Pomar(Burgos)

2012 Obra gráfica Galería Carreras. Barcelona

2012 Mural Residencia de la 3ª edad Quintana Martín Galindez. Burgos.

2012 Mural Centro comercial Alcampo. Burgos.

2012 Mural con el Colectivo Galbana. Arévalo. (Ávila). 2012 Mural Café 3 Cantones. Medina de Pomar. Burgos. 2011 Obra gráfica Galería fundación CIEC. Betanzos. (A Coruña)

2011 Mural casa rural El Sembrador. Rezmondo. Burgos 2010 Mural en el edificio Sta. María de Gracia de la Universidad de Guadalajara. México

2010 Mural Galería Casa Pop. Guadalajara. México

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BASSANTI - PINTURA - PORTUGAL

Nasceu em Lisboa em 1979. A partir de 2010 deixou de assinar como Ivo Moreira e adoptou o nome Bassanti.

Em 1997 completou o Curso Geral de Artes da Escola António Arroio e deu início a sua prática de ateliers nos Ateliers de São Paulo em Lisboa.

Em 1999 foi convidado a desenvolver o seu trabalho na Galeria Zé dos Bois onde permaneceu enquanto artista residente até 2013.

Em 2007 fez uma breve incursão pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa, que rapidamente se apercebem de que a academia não é o objectivo de uma empresa de manutenção da sua procura, tendo consequentemente permanecido no caminho onde o conhecimento das coisas é essencialmente empírico.

O seu trabalho manifesta uma pesquisa autobiográfica intensa, de caráter maioritariamente intuitivo, sem qual o processo de construção ganha cada vez mais relevância relativamente à obra produzida. O seu percurso pessoal e os objectos artísticos produzidos influenciam-se mutuamente, fundindo-se num movimento único em que uma acção, como vivências, uma obra eo pensamento são desdobramentos contínuos uns dos outros. Nesse sentido, as viagens representam desde o cedo um aspecto fundamental para a sua evolução e crescimento, oferecem plataformas essenciais para o entendimento dos contextos em que se movimenta. Através do questionamento do que é familiar e da permeabilidade para assimilar o que é novo, o seu trabalho reflete uma viagem constante dentro e fora do mesmo.

Desde 1995 tem produzido regularmente gráficos e livros de artista como forma de registro como suas viagens.

Das várias residências realizadas destacam-se Basileia (1997), não atelier de Daniel Boemle;Salvador da Bahia (2000-2001) e Goa (2003-2004) em atelier independente; Marrocos (itinerante);Berlim (2007 e 2010) na Spukkommune; Nova Iorque (2009) não Ponto B; Paris (2010) no 59 Rivoli; Hamburgo (2010) no Gangenviertel; Porto (2011) na Casa Amarela, Viena (2012) no Naehsalon Nathlos, Tarrafal (2013) arte pública, Chiang Mai (2014), Ko Kut (2015).

Nos últimos anos no seu trabalho ganhou contornos mais diversificados, começando (através de olhar da pintura) a explorar áreas como uma escrita, música, desempenho, fotografia, vídeo, instalação e culinária, tendo estabelecido diversas parcerias com outros artistas.

Jambalaya 2001 e Melhores Amigos para a Vida / Melhores Amigos para a Vida (2005, Galeria Zé dos Bois); Eu quero ir com você (2008, Sala do Veado); Presentes de onde eu fiz parte I & II (2009, Galeria Jorge Shirley / Sala do Veado, Museu Nacional de História Natural); Projeto Para Um Jardim Perfeito (2012, Hotel Tivoli).

Os objectos artísticos gerados por esta parceria transportam-nos para um universo imagético onde a esfera ­− e a estratosfera − do “fantástico-absurdo” se conciliam, em uníssono, na tradução estética de uma simbólica transonírica de vincado cunho humorístico.

Entendendo a arte como laboratório do imaginário, permeável a uma enorme pluralidade de fenómenos e influências externas, tanto Bassanti como Binau procuraram outros referentes durante o processo de criação estabelecendo, desta forma, links ao trabalho de outros artistas com os quais se identificam. Neste sentido, a música participou directamente na construção de novos itinerários narrativos[1], através da selecção e conjugação entre distintos fragmentos dos repertórios sonoros de autores como Patty Smith, Tom Waits, Laurie Anderson, Morphine, Marisa Monte e Benny Lava – entre outros.

Tanto Bassanti como Binau permitem que os trabalhos ganhem uma autonomia e dinâmica com vida própria, sendo que somente entendem as obras por concluídas quando estas atingem “um certo ponto de gravidade”.

Para Bassanti, criar é uma pulsão vital, assumindo o seu trabalho de pintura como o primeiro e grande amor. Esta óptica do pintor é projectada nas suas distintas áreas de expressão criativa como partículas de um universo comum que dialogam entre si, confluindo num mesmo fluxo discursivo que é transversal a todas as suas obras.

Bassanti traça um paralelismo entre a inspiração e o acto de respirar aquele ar que entra nos diferentes momentos e camadas do percurso criativo – e que se automatiza na ausência do self –, como ferramenta para a materialização do mundo espiritual. Um processo que considera xamânico e onde o artista se converte em veículo potenciador de um terapêutico “global detox”. As suas obras são, neste sentido, entendidas como portal de acesso a um mundo outro onde sagrado e profano se (re)encontram numa relação simbiótica.

Para Binau, criar é uma imposição quase animalesca da sua expressão individual. Enquanto artista-sensitivo, a inspiração é uma voz que lhe chega facilmente em momentos-chave, partindo de “um salto de cabeça” que pressupõe a existência de um pacto de Fé – enquanto motor gerador de novas experiências –, entre o artista e o seu trabalho.

Bassanti influência Binau com uma renovada perspectiva de trabalho na criação de imagens, recebendo deste um revigorante input no que se refere a formas, cores e linhas. Por outro lado, Binau transmite a Bassanti um entusiasmo vibrante pleno de frescura, juventude e alegria, considerando-o um verdadeiro companheiro anímico e sentindo grande proximidade no processo alquímico da Pintura e na união cúmplice do isolamento característico de quem habita o “lugar sem lugar” do atelier.

Apesar de terem percursos e referências estéticas distintas, Bassanti e Binau alcançaram uma linguagem comum que se foi solidificando ao longo desta experiência. A linguagem de Binau é marcada por expressões estéticas muito gráficas, pela bidimensionalidade e pelas cores planas da escola do design, dos cartoons e da street art, tendo como referentes o surrealismo pop de Mark Rayden, o cunho dadaísta de Yves Klein, a intensidade sarcástica dos graffitis de Blu e a potência do grafismo de Broken Fingaz. Bassanti vai ao encontro dessa linguagem por via dos referentes da pop art, das linguagens do outdoor e do design de comunicação de Keith Haring tendo, porém, a influência do lado mais explosivo de Pollock, da escala gigantesca de Baselitz ou do lado mais selvagem de Penck.

O resultado desta parceria apresenta uma certa afinidade formal com o grafismo dos fanzines e com toda a ampla linguagem vinculada à arte urbana que, contudo, é aqui transposta para suportes mais clássicos e exposta em espaço privado.

Nos trabalhos realizados ressaltam-nos alguns elementos mais constantes. As mãos são um elemento comum aos dois artistas já que ambos as consideram um veículo de criação primordial de onde emana toda uma essência que está totalmente ausente nos meios tecnológicos. As personagens monstruosas são criadas maioritariamente por Binau, sendo que Bassanti flutua à volta delas. Estes pequenos monstros de Binau fazem parte de um discurso já estabelecido pelo artista, que lhe permite uma liberdade expressiva não ofensiva – embora não tenha nenhuma preocupação com o carácter “anti-estético” ou com a agressividade que as suas figuras possam transmitir. Neste sentido, apesar da comicidade que as envolve, elas não abdicam do seu lado assustador, o que permite ao artista encarar de frente estes monstros internos através das obras realizadas. Já Bassanti teve um longo período no qual pintava os seus monstros através de um “grotesco” sem filtros. Contudo, sente desde então uma responsabilização perante aquilo que produz, e considera que não deve devolver violência ao mundo. Apesar do pendor controverso de alguns dos seus trabalhos, Bassanti reformula as suas figuras num esforço consciente de apaziguar estas “fobias e agonias” internas transformando-as assim em algo distinto. Tenta, deste modo, gerir da melhor forma possível a dualidade entre o bem e o mal – que inevitavelmente também faz parte do “pacote” mas que se dilui e se transmuta no melting pot do seu processo criativo.

Toda a exposição se afirma como crítica ao modus operandi do colectivo social estabelecido e às esferas institucionais que o promovem – com as quais nenhum destes dois artistas pactua. Todos os trabalhos realizados – bem como as escolhas subjacentes aos temas abordados – se constituem como actos políticos. Tanto Bassanti como Binau defendem um entendimento da arte imune às etiquetas académicas e aos circuitos padronizados da indústria cultural.[2] Dessa forma, ambos se assumem enquanto sujeitos estéticos como via de libertação, e expressam através das suas obras um pensamento livre – e sobretudo um sentimento espontâneo – que se afasta das convenções e que é aberto às mutações externas e internas do Ser.

Ao longo desta exposição levantam-se diversas questões que manifestam uma postura crítica relacionada com o lado enfermo de uma sociedade autofágica e hermética, que implode pela incapacidade de ser verdadeiramente ecléctica e que necessita urgentemente de terapia. Podemos, pois, encontrar nas obras expostas a questão da violência capitalista – personalizada aqui pela figura do homem de negócios –, a questão da nocividade que adveio da industrialização, a questão da “família disfuncional” associada ao desenvolvimento do ser humano, a questão da medicamentação, a questão da alienação, a questão das drogas, a questão da verticalidade do artista e da liberdade criativa espartilhada pelo mercado da arte e pelo mundo académico, a questão das religiões organizadas como instrumentos de gestão social, a questão da incapacidade de convívio directo entre as pessoas gerada pela proliferação e pelo mau uso da realidade virtual, a questão do lado romântico e dramático da solidão refugiada do artista no espaço de atelier –enquanto espaço emocional, vivencial e espiritual – a partir do qual o artista sintoniza e recebe as frequências do mundo exterior, e a questão da Fé associada ao acto criativo no sentido de re-ligar, defendido aqui como a única religião possível.

A questão da doença mental bipolar é algo “familiar” a ambos os artistas e, muito embora não se traduza de forma linear, ela está presente de modo indirecto nos trabalhos realizados, tendo percorrido também todo o processo criativo que os gerou. Ela existe ainda como aspecto subliminar, na estrutura bipartida desta exposição (lado A e lado B). Nas obras apresentadas, a dicotomia sanidade versus patologia não adquire um aspecto pesado nem tão-pouco leviano, sendo antes tratada com humor através do sentido do non-sense e do absurdo. Tal como a devoção perante o acto criativo, esta “enxaqueca mental” faz também ela parte do package que integra o título da presente exposição e que engloba – para além dos muitos outros que já referimos anteriormente – também este aspecto. Mas se, por um lado, a arte pode ser aqui entendida como o meio para o artista escoar e sair deste sofrimento no sentido terapêutico[3], por outro lado a loucura impõe-se também como elemento imanente à sanidade anímica − bem como à sua capacidade regenerativa −, através de um estado privilegiado de consciência que transpõe o lugar comum de habitat do “corpo enfermo” e que é, ao final, inerente à própria condição humana. Encontramos ainda uma alusão clara a Jodorowsky através da ideia do sagrado contida na obra cinematográfica “Holy Mountain” – transposta aqui em paralelo com a concepção de “Holy Package” – através da noção de que o trabalho em si é uma fonte de terapia tanto para o criador como para o espectador.

Da genuína conexão criativa entre estes dois artistas gerou-se assim uma terceira entidade conjunta, que se distingue daquelas que os caracterizam isoladamente. Esta “forma de arte outra” surge da sensação, partilhada por ambos, de absoluta liberdade criativa durante todas as etapas desta colaboração, da valorização do relativo, do momentâneo e do “acidente”, numa entrega plena à dinâmica sinestésica dos sentidos – e de todos os sentimentos que lhe advêm. Eles são dois agentes activos na construção do seu tempo: o do Presente

Ambos compartem o ideal de primazia do processo criativo sobre a obra final, assumindo um mesmo compromisso metafísico na incessante busca de verdades de valor extra-temporal, e do encontro da perenidade no efémero como via de abertura para novos espaços de possibilidade perceptiva, onde paradoxos e bipolaridades se conseguem gerir e coexistir de forma natural.

Nesta frequência sintonizada em flow with the present, Bassanti e Binau assumem-se como veículos/canais por onde passa informação, experimentando durante este processo certos estados de consciência alterada, que lhes permitem navegar pelo desconhecido até alcançarem aquele hiato de fusão onde o ego se anula e o gesto se solta – sem tempo nem espaço outro que não seja o do próprio fluxo criativo.[4]

Ana Cardim · Sintra, Novembro 2016

Http://bassantistudio.com/

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BRUNO DUNLEY - PINTURA - BRASIL

A obra de Bruno Dunley questiona a especifidade da pintura, particularmente no que diz respeito às relações entre representação e materialidade. Suas pinturas começam como composições cuidadosamente construídas, lentamente sofrendo correções que, às vezes, revelam lacunas na aparente continuidade da percepção.

Inserido em uma nova geração de pintores brasileiros chamada 2000e8, Dunley parte tanto de imagens encontradas quanto de uma análise sobre a própria natureza da pintura, em que códigos de linguagem como o gesto, o plano, a superfície, e a representação, são entendidos como um alfabeto, uma superfície da escrita comum. Constantemente uma única cor predomina toda a superfície na pintura de Dunley, o que nos sugere uma linguagem visual minimalista, acarretando também uma qualidade meditativa a algumas de suas pinturas. Como enunciado, o artista vê seu “trabalho como uma série de perguntas e afirmações 

sobre as possibilidades da pintura, sobre o que é, e o que esperamos dela”. Nas pinturas de Dunley, promessas são feitas e consequentemente quebradas, testando os limites da tensão do observador. Noções preconcebidas sobre pintura e composição, no trabalho de Bruno Dunley, são incessantemente desafiadas de maneiras surpreendentes.runo Dunley nasceu em Petrópolis, em 1984. Vive e trabalha em São Paulo. Exposições recentes incluem as individuais No lugar em que já estamos (Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brasil, 2014);e (Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, 2013) e Bruno Dunley (11 Bis, Paris, França, 2012); assim como as coletivas Os primeiros 10 anos(Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil, 2011); Assim é se lhe parece(Paço das Artes, São Paulo, Brasil, 2011); e Paralela 2010 (Liceu de Artes e Ofícios, São Paulo, Brasil, 2010). 

sem título, 2015, 200 x 150 cm

Drive in, 2015

Minha primeira exposição individual no Rio de Janeiro. Até dia 13 de fevereiro na Galeria Nara Roesler - RJ.

bruno dunley

n./b. 1984 petrópolis, brazil

vive e trabalha em/lives and works in são paulo

formação / education

Bacharel em Artes Plásticas/ Bachelors in Visual Arts. Faculdade Santa

Marcelina, São Paulo, Brazil

Graduação em Fotografia/ Bachelors in Photography. Senac, São Paulo, Brazil

exposições individuais / solo exhibitions

2015

Ruído, Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro, Brazil

2014

No lugar em que já estamos, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil

2013

E, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil

2012

11 Bis, Paris, France

2010

Os nomes, Galeria Marilia Razuk, São Paulo, Brazil

2007

Ateliê 397, São Paulo, Brazil

exposições coletivas / group exhibitions

2015

A História da Imagem, SIM Galeria, Curitiba, Brazil

Releituras da Natureza-Morta, Carbono Galeria, São Paulo, Brazil

2014

Para Além do Ponto e da Linha: Arte Moderna e Contemporânea no Acervo do MAC/USP, MAC/USP Nova Sede, São Paulo, Brazil

Corrente, coletiva no Sesc Belenzinho, São Paulo, Brazil

Prática portátil, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil

2011

Os primeiros 10 anos, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil

Assim é se lhe parece, Paço das Artes, São Paulo, Brazil

Estou aqui, Galeria Marilia Razuk, São Paulo, Brazil

                 

2010

A Contemplação do Mundo: Paralela 2010, Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, São Paulo, Brazil   

Vistas a perder de vista: oito artistas contemporâneos, Galeria Penteado, Campinas, Brazil

Deserto-modelo, 713 Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina

2009

Superfície ativada, Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro, Brazil

Nova arte nova, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Brazil

2008

5ª Exposição de Verão, Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro, Brazil

Programa de exposição 2008, Museu Victor Meirelles, Florianópolis, Brazil

2000 e oito, SESC Pinheiros, São Paulo, Brazil

Ana Prata, Bruno Dunley e Marcos Brias, Galeria Marília Razuk, São Paulo, Brazil

Entre 5, Ateliê Rua Camilo, São Paulo, Brazil

residências / residences

2016

Summer residence in the Hampto