Kimi Nii nasceu em Hiroshima, Japão. Mudou-se para o Brasil, São Paulo aos nove anos. Formada em Desenho Industrial, trabalhou com programação visual.
Em 1978, começou a fazer cerâmica e se apaixonou pelo contato com o barro e as possibilidades de realização e criação. Desde então, trabalha com cerâmica de alta temperatura (1300º) no próprio atelier na criação e produção de objetos utilitários e esculturas.
Realizou exposições individuais e coletivas no Japão, Europa e América como artista plástica, ceramista e designer.
Donguri
Botão Frésia
Labareda
Colunas
Colunas
Ananás
Bromélia
EXPOSIÇÕES INDIVIDUAIS
Espaço Manabu Mabe - "Colunas" - Exposição Comemorativa do Centenário da Imigração Japonesa no Brasil - Tokyo - Japan - 2008
Museu Oscar Niemeyer - "Donguri" - Curitiba - PR - 2007
Galeria Siesta - Barcelona - Espanha - 2007
Espaço Darcy Ribeiro, Embaixada Brasileira - Bruxelas - Bélgica - 2004
Instituto Tomie Ohtake - "Donguri" - São Paulo - SP - 2004
Museu de Arte de Santa Catarina - "Prestígio do Barro" - SC - 2003
Espaço Manabu Mabe - Tokyo - Japão - 2001
Plaza Gallery - Tokyo - Japão - 1999
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1998
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1997
Galeria Nara Roesler - Campos do Jordão - SP - 1997
Galeria Espaço Universitário - Universidade Federal do Espírito Santo - "Esculturas em Cerâmica" - Vitória - ES - 1996
Museu do Açude - Fundação Castro Maya - "Esculturas em Cerâmica" - Rio de Janeiro - RJ - 1996
Galeria Múltipla - "Flora Cerâmica" - S. Paulo - SP - 1994
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP – 1992
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1982
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1985
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1982
Galeria Deco - São Paulo - SP - 1980
Ananás Azul
Bromélia Ocre
Helicônia Azul
Pagoda
Bambu
Bambu
Bromélia
Magnólia
Disco Vertical
EXPOSIÇÕES COLETIVAS
Galeria L'oeil - "Femmes D'argile" - São Paulo - SP - 2011
Galeria Deco - "Objeto e Vasilha" - Artistas que utilizam materiais naturais - São Paulo - SP - 2011
Galeria Dalcyr Ramiro - "Rencontro " - FLIP - Paraty - RJ - 2011
Museu Oscar Niemeyer - Bienal de Design - Curitiba- PR - 2010
Fundação Japão - Encanto Tropical - São Paulo - SP- 2010
Festival de Rotterdam - Kleurbrazil - Rotterdam - Holanda - 2009
Destination Brazil - MOMA - Nova Iorque - EUA - 2009
Galeria Marta Traba - Memorial da América Latina - "Entre Oceanos - 100 Anos de Aproximação entre Japão e Brasil" - S.Paulo - SP - 2009
Museu Kawasaki - "Creative Art Session" - Exposição de Amizade Nipo-brasielira - Tokyo - Japão - 2008 Academia Brasileira de Arte, Cultura e História - Japão no Coração" - S.Paulo - SP - 2008
Centro Cultural Banco do Brasil - "NIPPON" - Rio de Janeiro - RJ - 2008
Palácio das Artes Rodin - "Abraços na Arte" - Salvador - BA - 2008
Galeria Deco - "Início Após 100 Anos" Brasil-Japão - São Paulo - SP - 2008
Pinacoteca do Estado de São Paulo - "Nipo-Brasileiros" - São Paulo - SP - 2008
Museu De Arte Contemporânea da USP - "Arte- Brasil Japão Moderno e Atual" - São Paulo - SP - 2008
Academia Brasileira de Arte, Cultura e História - "Japão no Coração" - São Paulo - SP - 2008
Memorial da América Latina - "Coluna Infinita" - São Paulo - SP - 2007
Fundação Bienal de São Paulo "Arte pela Amazônia" - São Paulo - SP - 2008
Instituto Tomie Ohtake - "Laços do Olhar" - São Paulo - SP - 2008
Palácio do Governo Boa Vista - "Herança Japonesa na Cerâmica Brasileira" - Campos do Jordão - São Paulo - SP - 2008
Palácio do Itamaraty - "Design Brasileiro - Uma mudança no Olhar" - Brasília - DF - 2007
Memorial da América Latina - "Coluna Infinita" - São Paulo - SP - 2007
Galeria Deco - "Três Dimensões" - São Paulo - SP - 2007
Museu Alfredo Andersen - Salão Nacional de Cerâmica - Comissão de Seleção e Premiação - Curitiba - PR - 2006
Espaço Armani - "Global Edit" - Milão - Itália - 2005
MASP - "A Geração Emergente" - São Paulo - SP - 2005
Instituto Tomie Ohtake -"Trama Espiritual da Arte Contemporânea" - São Paulo - SP - 2003
Espaço UNICID - "Gerações" - Arte Contemporânea Nipo-Brasileira - São Paulo - SP - 2003
Casa das Rosas - Ópera Aberta - São Paulo - SP - 2002
Museu de Arte de São Paulo - "Tendências" - São Paulo - SP - 2002
Design & Natureza – São Paulo – SP – 2001
500 Anos Design – Pinacoteca do Estado de São Paulo - SP- 2000
Biennale Internationale Design 2000 – Saint-Ètienne - França - 2000
Centro Brasileiro Britânico - "Construindo Uma Linguagem" - S.Paulo - SP - 2000
Museu de Arte de São Paulo - "500 Anos: Uma Janela para o Futuro" - São Paulo - SP-1998
Lewarne Galeries - Vancouver - Canadá - 1997
Museu de Arte Brasileira - São Paulo - SP - 1996
Museu da Cultura (PUC) - São Paulo - SP - 1994
Galeria Múltipla de Arte - "Flora Cerâmica" - São Paulo - SP - 1994
Museu Alfredo Andersen - 11º Salão Paranaense de Cerâmica - Curitiba - PR - 1993
Espaço Cultural - Banco Central do Brasil - "Flora" - S.Paulo - SP - 1993
II Estúdio Internacional de Tecnologias da Imagem (Unesp) - SESC Pompéia - São Paulo - SP - 1993
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - São Paulo - SP - 1992
Gabinete de Arte Raquel Arnaud - São Paulo - SP - 1990
Palácio Foz - "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas Brasileiros" - Lisboa - Portugal - 1989
Centro Cultural Ciudad de Buenos Ayres - Buenos Aires - Argentina –1988
Centro Cultural Conde Duque "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas do Brasil" - Madrid - Espanha - 1988
Instituto Ítalo Latino Americano (IILA) "Esculturas em Cerâmica, Dez Artistas do Brasil" - Roma, Itália - 1988
Galeria Skultura - "Jóias, Uma Expressão de Arte" - São Paulo - SP - 1988
Mônica Filgueiras Galeria de Arte - "1ª Mini Bienal TV Cubo" - São Paulo - SP - 1987
I e II Mostra MOA Cerâmica Contemporânea - SP - 1986 e 87
Museu de Arte de São Paulo - "78º Aniversário da Imigração Japonesa no Brasil" - São Paulo - SP - 1986
Mostra Aberta de Cerâmica Arte - I, II, III, IV e V - São Paulo - SP - 1984, 85, 86, 87, 88 e 89
Galeria Ocra - SP - "A Arte de Cerâmica Brasileira no Brasil" - São Paulo - SP -1984
Paço das Artes - "Cerâmica Contemporânea" - São Paulo - SP - 1985 e 87
Forma Objeto - São Paulo - SP - 1981
Galeria Tenda - SP - 1980 e 85
Galeria Toki Arte - SP - 1979, 80, 81, 83, 86, 88e 89
II e III Encontro de Ceramistas de Parati - Parati, RJ - 1979 e 81
Cartola
Uma forma clara e precisa, um corte incisivo e um desequilíbrio do material são os ingredientes que Kimi Nii usa nas cerâmicas que realizou para esta exposição. Receita simples, mas que levou tempos, anos para aí chegar. E que exigiu muita força, mas também muita delicadeza.
Conhecimento de materiais e técnica, muita sensibilidade e talento. Qualidade de grande artista, como esta minha querida amiga que eu muito admiro, Kimi Nii.
Futabá Castiçal
Tenda
Morandi
Garrafa Reversa
Vaso Disco Vertical
O limite técnico do forno de alta temperatura não é mais uma barreira para Kimi Nii. Ela vai desafiando o espaço, verticalizando suas peças, expandindo-as com encaixes. Dilata seus blocos de argila em ovais e círculos, que caminham fechando-se em si mesmos.
Ovais e verticais formam o mundo atual da escultura de Kimi Nii, que mantém em seu trabalho duas tensões, dois prazeres, além daquele da criação: amassar o barro e esperar o inesperado na abertura do forno.
Apesar do domínio técnico, há sempre uma surpresa. Uma surpresa que, para nós, espectadores, vai se revelar nas formas criadas por essa sensível ceramista-escultora.
Kimi Nii partiu do trabalho com o utilitário - como um prazer estético do cotidiano - para uma escultura de caráter por vezes construtivo, por vezes orgânico. Sempre inquieta, nova, atual, prospectiva, sua escultura já ocupa seu lugar na arte de nosso tempo.
Tulipa Recortado Largo
Prato Informal
Prato Origami
Chaleira tampa quadrada, açucareiro tampa quadrada e copo bojudo
Jogo Japonês
Kimi Nii une tradição japonesa e construtivismo
Naum Gabo disse que não há limites para a variedade de materiais adequados à escultura. Tatlin, que ensinou cerâmica na Escola de Arte de Moscou nos anos 20, antecipou Gabo em mais de uma década, demonstrando sua frase em três dimensões. Finalmente, nos anos 90, a escultora e ceramista japonesa Kimi Nii, nascida dois anos após a explosão da bomba em Hiroshima, mostra que é possível esculpir o espaço, como preconizavam Gabo e Tatlin.
O exemplo que ilustra o desenvolvimento do trabalho de Tatlin é justamente um cone espiralado e recortado conforme a técnica construtivista. Girando sobre seu próprio corpo, essa escultura se mantém surpreendentemente rígida. A espiral ascendente deixa passar a luz através de cortes no espaço, dando à peça um aspecto luminoso, como os ritualísticos "espelhos cósmicos" ("dotaku") do refinado Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.).
Essa aproximação com o Yayoi não é casual. As esculturas em cerâmica de Kimi Nii têm a simplicidade das peças sem adorno deste período. A ceramista também revisita a horizontalidade das incisões na cerâmica Yayoi, não desprezando as lições de mestres de outras épocas, como Chojiro (1516 - 1592), em especial a assimetria de suas irregulares "raku". É do diálogo entre a tradição japonesa e o construtivismo que surgem peças como "Olho", queimada num forno a lenha projetado na Dinamarca. Kimi Nii "esculpe" o espaço como se ele fosse material flexível. Exatamente como queria Gabo.
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partir de uma matéria amorfa, sem equilíbrio, Kimi Nii cria uma forma pura, fazendo incisões e realçando imperceptíveis traços, como resultado de um movimento preciso e intuitivo entre a razão e a sensibilidade.
É a primeira vez que Kimi realiza uma exposição no Japão. Apesar de ter vivido por 40 anos no Brasil, em quase todas as suas obras aparecem, inconscientemente, imagens da pretérita infância no Japão.
Nascida em Hiroshima, aos nove anos Kimi Nii imigrou com os pais para o Brasil. Posteriormente, freqüentou o curso superior de Desenho Industrial na FAAP, iniciando-se na cerâmica.
No processo de elaboração de seu trabalho, revela sua experiência de vida, baseada em sua força vital e poder de emanação, expressos em delicadas e sutis formas.
Esta mostra revela o trabalho artístico que tem produzido nos últimos 10 anos.
Minha companheira de todas as horas, Kimi Nii tem sido reconhecida como uma artista pela sua técnica e talento no trabalho.
Tomie Ohtake – 1999
  A exposição inclui novos trabalhos e alguns destaques da produção da artista desde a década de 1980. Ela tem na impecabilidade das formas das peças uma de suas marcas registradas.    | ||||
A partir de uma matéria amorfa, sem equilíbrio, Kimi Nii cria uma forma pura, fazendo incisões e realçando imperceptíveis traços, como resultado de um movimento preciso e intuitivo entre a razão e a sensibilidade.
É a primeira vez que Kimi realiza uma exposição no Japão. Apesar de ter vivido por 40 anos no Brasil, em quase todas as suas obras aparecem, inconscientemente, imagens da pretérita infância no Japão.
Nascida em Hiroshima, aos nove anos Kimi Nii imigrou com os pais para o Brasil. Posteriormente, freqüentou o curso superior de Desenho Industrial na FAAP, iniciando-se na cerâmica.
No processo de elaboração de seu trabalho, revela sua experiência de vida, baseada em sua força vital e poder de emanação, expressos em delicadas e sutis formas.
Esta mostra revela o trabalho artístico que tem produzido nos últimos 10 anos.
Minha companheira de todas as horas, Kimi Nii tem sido reconhecida como uma artista pela sua técnica e talento no trabalho.
Tomie Ohtake – 1999
Uma forma clara e precisa, um corte incisivo e um desequilíbrio do material são os ingredientes que Kimi Nii usa nas cerâmicas que realizou para esta exposição. Receita simples, mas que levou tempos, anos para aí chegar. E que exigiu muita força, mas também muita delicadeza.
Conhecimento de materiais e técnica, muita sensibilidade e talento. Qualidade de grande artista, como esta minha querida amiga que eu muito admiro, Kimi Nii.
Tomie Ohtake – março de 1992
Haikais geométricos no espaço
Quis o acaso que eu estivesse inteiramente envolvido com a arte da cerâmica no preciso momento em que Kimi Nii me contatou para escrever este texto de catálogo. Estou preparando um trabalho sobre Francisco Brennand, certamente o mais ilustre de nossos ceramistas, demiurgo pagão que mora nas vizinhanças do Recife e lá produz sua obra tão peculiar.
Tirando o fato de que ambos modelam e queimam o barro, parece que nada mais em comum existe entre Brennand e Kimi Nii. Ele é figurativo, dionisíaco, dramático, vinculado à expressão de uma pansexualidade devoradora e insólita. Ela é essencialmente abstrata - mesmo que suas formas derivem muitas vezes da vegetação e as evoquem -, geometrizante, apolínea, elegante, sempre límpida e precisa.
Mas a verdade é que a simultaneidade dessas experiências opostas pelo vértice - Brennand e Kimi Nii - me faculta falar desta com mais abrangência e mais propriedade. Antes de mais nada, observem que não hesito em a citar lado a lado com um grande mestre. Acontece que Kimi é uma excelente escultora, como ele. Trata, em outra linguagem, de outras questões humanas e formais, mas tem a mesma competência e eficácia. O fato de que se dedique também, simultaneamente, à cerâmica utilitária - até porque esta é a vocação primeira e mais natural desse suporte - em nada prejudica ou contamina sua produção exclusivamente escultórica. Alias, exatamente o mesmo acontece com Brennand.
A poética de Kimi Nii traz consigo algo de visivelmente oriental, mas que é quase inefável, quase impossível de definir. Talvez o possamos chamar de uma inteligência ordenadora e econômica, tal como a que se manifesta, por exemplo, na bandeira japonesa, uma lição de design. Em virtude da produção dos pintores nipo-brasileiros a partir dos anos 60, no Brasil costumamos identificar apenas o componente gestual e caligráfico da expressão plástica oriental. Mas essa é uma noção parcial e redutiva.
Fui descobri-lo plenamente em Kyoto, cidade natal de nossa Tomie Ohtake, essa outra ordenadora de espaços. Talvez pelo inesperado, sobretudo as embalagens dos doces de Kyoto, com sua ornamentação geométrica estrita (sim, mais que os templos clássicos de impecável arquitetura, mais que o Katsura, o palácio imperial do século XVII, cuja funcionalidade e despojamento fariam inveja à Bauhaus), as embalagens dos doces de Kyoto foram a súbita e cabal revelação de um pensamento visual construtivista sintético, objetivo e impecável. No Japão, ele esta por toda parte; no tatami, no cenário do teatro No, no arranjo de uma bandeja de sushi. E com esse Japão (não com o caligráfico/expressivo) que a escultura de Kimi Nii mantém seus elos ancestrais.
Pediram-me que este texto fosse breve. Perdoem-me se passei do meu limite, e se agora terão que lê-lo em letras miúdas. Muito ficará por dizer. Concluo assegurando a Kimi Nii o quanto me agrada e convence a beleza inteligente que ela tem sabido gerar. Poucos artistas conseguem tal equilíbrio e harmonia entre razão e emoção, conhecimento e intuição, contenção e confidência. Perdoem-me de novo, agora por este quase lugar comum, na ordem das idéias, mas a metáfora se faz, aqui, inevitável: Kimi Nii produz líricos haikais geométricos no espaço. Vai direta ao ponto.
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O limite técnico do forno de alta temperatura não é mais uma barreira para Kimi Nii. Ela vai desafiando o espaço, verticalizando suas peças, expandindo-as com encaixes. Dilata seus blocos de argila em ovais e círculos, que caminham fechando-se em si mesmos.
Ovais e verticais formam o mundo atual da escultura de Kimi Nii, que mantém em seu trabalho duas tensões, dois prazeres, além daquele da criação: amassar o barro e esperar o inesperado na abertura do forno.
Apesar do domínio técnico, há sempre uma surpresa. Uma surpresa que, para nós, espectadores, vai se revelar nas formas criadas por essa sensível ceramista-escultora.
Kimi Nii partiu do trabalho com o utilitário - como um prazer estético do cotidiano - para uma escultura de caráter por vezes construtivo, por vezes orgânico. Sempre inquieta, nova, atual, prospectiva, sua escultura já ocupa seu lugar na arte de nosso tempo.
Mônica Filgueiras de Almeida
Kimi Nii une tradição japonesa e construtivismo
Naum Gabo disse que não há limites para a variedade de materiais adequados à escultura. Tatlin, que ensinou cerâmica na Escola de Arte de Moscou nos anos 20, antecipou Gabo em mais de uma década, demonstrando sua frase em três dimensões. Finalmente, nos anos 90, a escultora e ceramista japonesa Kimi Nii, nascida dois anos após a explosão da bomba em Hiroshima, mostra que é possível esculpir o espaço, como preconizavam Gabo e Tatlin.
O exemplo que ilustra o desenvolvimento do trabalho de Tatlin é justamente um cone espiralado e recortado conforme a técnica construtivista. Girando sobre seu próprio corpo, essa escultura se mantém surpreendentemente rígida. A espiral ascendente deixa passar a luz através de cortes no espaço, dando à peça um aspecto luminoso, como os ritualísticos "espelhos cósmicos" ("dotaku") do refinado Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.).
Essa aproximação com o Yayoi não é casual. As esculturas em cerâmica de Kimi Nii têm a simplicidade das peças sem adorno deste período. A ceramista também revisita a horizontalidade das incisões na cerâmica Yayoi, não desprezando as lições de mestres de outras épocas, como Chojiro (1516 - 1592), em especial a assimetria de suas irregulares "raku". É do diálogo entre a tradição japonesa e o construtivismo que surgem peças como "Olho", queimada num forno a lenha projetado na Dinamarca. Kimi Nii "esculpe" o espaço como se ele fosse material flexível. Exatamente como queria Gabo.
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